L'eleganza del femminile: Jenny Saville

Aggiornato il: apr 21



L'artista britannica Jenny Saville è diventata famosa per i dipinti che rendono la carne femminile su scala monumentale. Le sue tele, di grandi dimensioni , ingrandiscono i dettagli grezzi dell'esperienza incarnata: seni grandi e cadenti; pance e ciccia gravide; facce schiacciate contro il plexiglass, una figura seduta sul water. Diversi pittori nel corso della storia - Peter Paul Rubens, Tiziano, Willem de Kooning, Pablo Picasso - hanno a lungo oggettivato il corpo; l'argomento diventa nuovamente scioccante e potente sotto il pennello di Saville. La sua opera non offre una bella immagine dell'umanità, ma ripropone una visione onesta della realta.

Nel 2018, è stata nominata "artista femminile vivente più costosa" dopo il suo dipinto del 1992 Propped venduto all'asta per $ 12,4 milioni.

Secondo l'artista, le donne obese nei centri commerciali americani hanno ispirato il lavoro di tutto il suo lavoro. L'artista (nata a Cambridge nel 1970) ha trascorso un semestre presso l'Università di Cincinnati nel 1991, un breve soggiorno negli Stati Uniti durante la sua frequenza alla Glasgow School of Art (dal 1988 al 1992). Una volta disse al Guardian che anche da bambina il corpo di un'insegnante di pianoforte l'aveva affascinata: "Ero affascinata dal modo in cui i suoi due seni sarebbero diventati uno, dal modo in cui il suo grasso si muoveva, dal modo in cui le pendeva sul dorso delle braccia, ". In Ohio, il suo pensiero è stato probabilmente influenzato anche dalla teoria femminista francese che stava studiando.










Durante l'università, Saville ha dipinto nudi femminili su larga scala. La sua mostra di laurea includeva il già citato dipinto "Propped", un autoritratto in cui l'artista siede nuda (anche se indossa appartamenti bianchi appuntiti sui suoi piedi) in cima a un palo nero fallico. Le sue unghie le affondano nelle gambe, spingendo insieme i suoi ampi seni. Saville ha parafrasato e inscritto nel dipinto, in un'immagine speculare, il testo della scrittrice femminista di origine belga Luce Irigaray ("Se continuiamo a parlare in questa identità, parliamo come hanno parlato gli uomini per secoli, ci falliremo a vicenda. passare attraverso i nostri corpi, sopra le nostre teste - sparisci, facci sparire ”). Scarabocchiato sia sullo sfondo che sulla pelle della figura, il messaggio appare più destinato al soggetto che allo spettatore, che è costretto a leggerlo al contrario.


Il successo popolare è arrivato rapidamente. Il Times Saturday Review ha pubblicato un'immagine di Propped sulla copertina. Il collezionista britannico Charles Saatchi prese nota e acquistò il dipinto (e quasi tutta la sua produzione studentesca) e commissionò altre opere di Saville, che mostrò in una mostra del 1994 dei Young British Artists. Il suo spettacolo campione d'incassi del 1997 "Sensation: Young British Artists from the Saatchi Gallery" (che ha viaggiato anche al Brooklyn Museum) ha raggruppato il suo lavoro con quello di Damien Hirst, Sarah Lucas, Chris Ofili, Rachel Whiteread e altri importanti talenti britannici.


Per tutti gli anni '90, Saville ha continuato a esplorare il suo fascino per la forma femminile non aerata. Ha dipinto un corpo segnato di nero, come se stesse per subire un importante intervento di chirurgia plastica (Plan, 1993); un trittico raffigurante una donna grande in mutande, da tre diverse angolazioni (Strategy (South Face / Front Face / North Face), 1993-1994); donne sdraiate fianco a fianco, in punta di piedi (Shift, 1996-97); e un body patchwork con il seno storto (Hybrid, 1997). Saville si autoproclamò “anti-bellezza” e si concentrò, invece, sull'esagerazione di elementi corporei che la società generalmente considerava antiestetici.




Per tutto il decennio successivo, il lavoro divenne decisamente morboso. Saville ha dipinto le scene del crimine e l'obitorio. In Red Stare Head IV (2006-2011), ha reso la testa insanguinata di un bambino. Pennellate rosse gli colano intorno al naso, facendo eco al rosso scarlatto delle sue labbra socchiuse e decentrate. Tutto il suo viso sembra leggermente contorto, distorto, forse, per riecheggiare la realtà post-trauma del bambino. Niente di tutto questo è necessariamente grottesco, sostiene Ealan Wingate, il regista newyorkese di Gagosian (dove Saville è stato nel roster dalla fine degli anni '90). "È il fascino della carne, del corpo e di come si muove", ha detto. Saville, ha affermato, non intende turbare il suo spettatore, ma semplicemente trasmettere il suo timore reverenziale per il modo in cui il corpo si comporta e reagisce.

La curatrice del Norton Museum of Art Cheryl Brutvan, che ha organizzato una presentazione personale nel 2012 del lavoro di Saville, descrive l'interesse principale del pittore come la "vulnerabilità del corpo e l'invenzione della figura in modo contemporaneo". Guardare i chirurghi plastici tagliare un corpo - e poi affrontare l'argomento artisticamente - le ha offerto un modo molto moderno di pensare all'anatomia.

Eppure la pratica di Saville ha preso una svolta dopo aver dato alla luce i suoi due figli, nel 2007 e nel 2008. Le esperienze hanno alterato il suo rapporto con il suo argomento preferito. "Mi sono resa conto che ho passato la mia vita a dipingere carne e che potevo produrre carne nel mio corpo", ha detto di recente alla rivista New York. Seguirono dipinti di madri e bambini. Rimanendo fedele alla forma, Saville ha ritratto le sue figure non come Madonne e Cristi idealizzati, ma come esseri umani contemporanei tormentati; in The Mothers (2011), un bambino che piange quasi scivola dalle braccia della madre.

Durante la pratica di Saville, ha mantenuto una certa irta fedeltà ai suoi antenati artistici. Le sue immagini di madri e bambini fanno riferimento a opere di Leonardo da Vinci e Michelangelo, anche se dal punto di vista di una persona che ha effettivamente vissuto il parto. Spesso fa paragoni con i colleghi britannici Francis Bacon e Lucian Freud per le sue raffigurazioni non glorificate della carne. Come Bacon, anche lei si è dedicata alla pittura di carcasse.



Nella sua opera più recente, Saville mette in risalto i suoi riferimenti alla storia dell'arte. Intitolata "Ancestors", la sua mostra estiva al Gagosian New York includeva tele raffiguranti esseri umani e creature su piedistalli, suggerendo una metanarrativa in cui Saville stava dipingendo una serie di opere scultoree che già esistevano. Una composizione, di un uomo che tiene in braccio un bambino, ha preso una svolta contemporanea sulla Pietà di Michelangelo (1499). Una serie di dipinti di "Destini" mostrava mash-up di parti del corpo scultoree umane e non occidentali, richiamando alla mente i piani delle immagini fratturate di Picasso.



Tuttavia, una certa violenza continua a tingere le tele di Saville. I corpi sembrano giuntati e hackerati; pennellate rosse rabbiose colpiscono le loro superfici. Questi gesti infastidiscono lo spettatore poiché aumentano la vitalità del lavoro: è difficile guardare una tela di Saville senza sentire qualcosa.

Se il lavoro di Saville può essere difficile da guardare, si è dimostrato estremamente vendibile. Lo status di "artista femminile vivente più costosa" sembra sia un onore, che un fardello complesso. Saville non ha mai deciso di raggiungere questa distinzione, ha osservato Wingate, ma piuttosto di esplorare "un'esultanza nella pittura".




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