Il genio di Alberto Giacometti

Aggiornato il: apr 23



Nel 1957 lo scrittore Jean Genet descrive lo studio dell'amico Alberto Giacometti. Era “una palude lattiginosa, una discarica ribollente, un vero fosso”. C'era intonaco su tutto il pavimento e su tutto il viso, i capelli e gli abiti dello scultore; c'erano pezzi di carta e pezzi di vernice su ogni superficie disponibile. Eppure, "ecco i poteri magici e prodigiosi della fermentazione" - come per magia, l'arte è cresciuta dalla spazzatura; l'intonaco del pavimento balzò in piedi e assunse stabilità come figura in piedi.


Di tutti gli artisti che lavoravano a Parigi nel XX secolo, Giacometti era il grande appassionato di gesso. Ci lavorò con il coltello, spesso sottoponendolo a così tanta pressione che alla fine si sbriciolò, formando la spazzatura osservata da Genet. Quando ne fu felice, lo dipinse. Le originali Donne di Venezia esposte alla Biennale di Venezia nel 1956 erano figure in gesso con linee nere e marroni impresse sui loro volti e corpi, che le facevano assomigliare alle donne nei suoi dipinti.




Giacometti nasce in una remota valle svizzera nel 1901, figlio di un pittore svizzero di successo e convenzionalmente realista. Realizza la sua prima scultura del fratello Diego all'età di 13 anni e si è rapidamente dedicato all'arte. Nel 1922 si trasferisce a Parigi, dove scopre il surrealismo, diventando amico di André Breton. Smise di modellare dal vero e si dedicò a visioni oniriche, sostenendo nel 1933 di aver "realizzato solo per alcuni anni sculture che si sono presentate alla mia mente allo stato completo".

Questo è stato un punto di svolta per Giacometti: sebbene fosse soddisfatto delle mani e della testa, era insoddisfatto delle gambe, del busto e del seno. Ha deluso Breton decidendo che aveva bisogno di lavorare dalla natura. "Niente era come quello che immaginavo fosse", ha scoperto. "Una testa ... è diventata un oggetto completamente sconosciuto e senza dimensioni." Il tentativo di rendere la testa inconoscibile divenne una missione per tutta la vita.


Ora era in grado di ingrandire le sue figure, ma scoprì che man mano che diventavano più alte perdevano peso, diventando inevitabilmente più snelle. Fu grazie a queste figure allungate e appuntite con piedi pesanti che divenne rapidamente famoso. Conosce molti degli scrittori e artisti più entusiasmanti di Parigi. Ha bevuto nei caffè con Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir, è andato a tarda notte, passeggiava in gran parte silenzioso con Samuel Beckett, ed è diventato un visitatore abituale, anche se spesso piuttosto critico, dello studio di Picasso. Molti di questi amici hanno scritto di lui. Sartre ha descritto le sue figure come “mediatori sempre tra il nulla e l'essere”. E sedevano anche per lui, sebbene i suoi modelli più frequenti fossero Diego e Annette, che soffrivano a lungo, insieme alle altre donne che andavano e venivano come muse e amanti.



C'è una notevole differenza tra gli uomini e le donne delle sue sculture. L'uomo più famoso di questo periodo è Man Pointing del 1947; quando non indica, i suoi uomini camminano. Le donne stanno nude su basi a forma di cuneo o, nella straordinaria figura del Carro del 1950, presiedono, braccia regalmente distese, su enormi ruote.


Alla domanda di Genet perché trattasse diversamente le figure maschili e femminili, Giacometti ha ammesso che le donne gli sembravano naturalmente più distanti. Da adolescente, era stato reso sterile a seguito di un attacco di parotite. Successivamente, ha accusato questo per i suoi problemi di impotenza, che erano più facilmente curabili facendo sesso con prostitute, che non poteva deludere. Le sue raffigurazioni di modelli femminili tendono a dividersi lungo le classiche linee di dea / puttana. C'è la dea Isabel, la prostituta Rita, la vergine Flora.


Con Annette è riuscito a superare quella dicotomia. Nei loro primi anni insieme, non l'ha usata affatto come modello. Una volta che vivevano insieme a Parigi, chiese ad Annette di posare e, con il passare degli anni, divenne una modella a tempo pieno. Giacometti ha fatto grandi richieste ai suoi modelli, richiedendo lunghi periodi di quiete ma insistendo sul fatto che gli offrissero una presenza attenta come la sua. "Se riesco a tenere lo sguardo negli occhi, tutto il resto segue", ha affermato. Gli occhi dei suoi volti non sono invisibili. E lo sguardo è determinante anche nei visi più piccoli delle figure sottili, spesso realizzati a memoria.



Sono sculture che cambiano mano a mano che le guardiamo, per le loro curiose proporzioni e per l'intensità delle loro espressioni. Secondo David Sylvester, il critico più impegnato e appassionato di Giacometti, "mentre sto guardando una delle donne in piedi, sarà distante come una persona dall'altra parte della strada, poi improvvisamente sembrerà incombere su di me" . Le prospettive sono cambiate anche per Giacometti, motivo per cui ha continuamente rielaborato e ripetuto le stesse figure, volendo capire meglio la sua visione.

Ciò che più commuove in queste figure ripetute all'infinito è l'umiltà implicita nell'impegno. Anche nel suo periodo di maggior successo, questa non fu tanto una carriera artistica quanto un tentativo infinito, inevitabilmente fallito, di catturare la vita che aleggiava sull'orlo della follia ossessiva. "Mai provato. Mai fallito. Non importa. Riprova. Fallisci di nuovo. Fallisci meglio ", ha scritto Beckett, forse l'amico la cui visione del mondo somigliava di più alla sua. "Non lavoro per creare bellissimi dipinti o sculture", ha spiegato Giacometti. “L'arte è solo un mezzo per vedere. Non importa cosa guardo, tutto mi sorprende e mi sfugge, e non sono troppo sicuro di quello che vedo ". Sebbene fosse amico di Picasso, i due non erano mai veramente a loro agio nel lavoro l'uno dell'altro. Picasso ha criticato Giacometti per la sua mancanza di portata, deridendo la sua infinita ripetizione, mentre Giacometti ha respinto Picasso per aver creato mera decorazione, non convinto della necessità della ricerca sottostante.



Il tentativo di riflettere la realtà della visione non ha portato solo alle figure allungate per le quali è più famoso. Ci sono più di 2.000 disegni e stampe, comprese alcune delle immagini che ha mezzo scarabocchiato nei libri con la Biro che divenne il suo strumento di disegno preferito negli anni del dopoguerra.

Nei suoi ultimi anni, si concentrò sulla pittura, producendo una serie di ritratti insistenti e piuttosto frenetici della sua musa finale, una giovane luminare del demi-monde che si faceva chiamare Caroline, e scolpendo busti ragionevolmente proporzionati. In queste sculture, Caroline e Annette si assomigliano curiosamente. In entrambe, le spalle e il corpo sono modellati con noncuranza, in modo che l'attenzione sia tutta sul viso e l'energia sia nei buchi in cui possiamo solo distinguere i loro occhi infossati. Le due donne sembrano avere la stessa età, sebbene si trovino a 20 anni di distanza; La fronte di Caroline è più aggrottata di quanto non fosse in vita. Entrambi appaiono esausti, a causa di quella qualità di occhi incavati, forse anche per riflettere l'esaurimento del pittore stesso.


Ma l'esaurimento non è l'unico stato d'animo. L'intensità dello sguardo di Caroline, nelle sculture, e in particolare nei dipinti, crea l'effetto di un momento che è anche senza tempo. Questo era qualcosa che Giacometti aveva cercato di catturare da quella visione fuori dal cinema nel dopoguerra. E negli ultimi busti di Annette c'è una resilienza che lo scultore sembra forgiare con gratitudine. "L'ho distrutta", aveva annunciato qualche anno prima, con un misto di rabbia e senso di colpa. Ora sembra aver riconosciuto i costi del matrimonio della moglie, pur riconoscendo la forza di un legame che li aveva tenuti insieme, nonostante le loro divergenze di vedute, la sua devozione al lavoro e ad una successione di amori.



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